El sitio web radaronline.com reproduce parte de lo declarado por la cantante a la publicaciónNOW. ”A veces creo que soy una supermujer y puedo hacer todo, pero justo ahora estoy pensando ‘quizás debería haberme tomado algunos meses’, pero tengo cuatro hijos, así que eso influye en todas mis decisiones.

“Estar de tour en el verano a veces es mejor porque ellos pueden viajar conmigo y no faltan a la escuela. Ya no tomo decisiones sólo pensando en mi”, explicó la intérprete.

Madonna reconoce que ha estado muy activa en los últimos meses, pues de filmar una película pasó a grabar un disco, luego se presentó en el Super Bowl y ahora está por salir de gira.

La cantante también admitió que no promueve su disco tanto como le aconseja su manager porque si no, no tendría tiempo para pasar con sus hijos. “Tengo que hacer sacrificios”.

Además le preguntaron si aceptaría ser juez en un concurso de talentos como American Idol o The Voice, pero dice que no le agrada la idea, pues ni siquiera ve televisión y nunca ha visto esos programas..

“De hecho no me gusta la idea de ser juez, es tan… no sé.. subjetiva, qué es bueno y qué no. Creo que quizás estamos muy obsesionados con eso”.

Pero en esta ocasión, el producto habla por sí mismo.

La firma francesa lanzó al mercado un condón de lujo, creado por el checo Irakli Kiziria como parte de una campaña para recaudar fondos en la lucha contra el Sida.

Al igual que todos sus productos, el condón cuenta con una envoltura en su clásico color café con iniciales doradas.

Pero el sello Vuitton no se quedó en la superficie, pues también el látex cuenta con sus pequeñas iniciales, además la firma asegura que su preservativo hará los encuentros sexuales más placenteros y con “cero irritaciones”,

¿El costo? Nada más y nada menos que 68 dólares (918 pesos aproximadamente).

Patricia Zapata*.- Hablar de Vintage es tan  actual en el mundo de la moda, que se impone que ahora hablemos de ese estilo.

Para nuestras madres, tías, abuelas, era tan común como conservar sus recuerdos, guardar en el armario su ropa antigua. Lo hacían confiadas en una sabia premisa: en materia de moda, todo vuelve.

¿Quién de nosotras mismas, no lo ha hecho?

Es el caso del look Retro y Vintage, una moda que confirma la premisa anterior: Vintage es la esencia del pasado. Lo nuevo en la moda es llevar lo viejo.

El carácter del Vintage reside en el acondicionamiento de las prendas antiguas, a las que se les agregan nuevos detalles, mezclando las tendencias de los años 20′s, 30′s, 50’s, 60’s, 70’s, 80’s y 90’s con las actuales, para crear un estilo completamente nuevo e híbrido. Actualmente, lo más rescatado pertenece a estas décadas,  en particular a los años 50 y nunca después de los años 90, del siglo pasado.

Ya sea por rescate nostálgico o por acceder a esa prenda que nadie tiene, la ropa “antigua” es una opción para armar una apariencia con identidad propia.

Es una paradoja: en el imperio donde reina la novedad, se privilegia lo antiguo. Ahora la novedad es rescatar viejas prendas de otras décadas y combinarlas con nuevas tendencias con el fin de crear un estilo distinto y, al fin y al cabo, nuevo.

Aunque la ropa Vintage es ropa usada, no es cualquier tipo de ropa. Se trata de piezas exclusivas, únicas y sofisticadas, creadas por diseñadores de renombre internacional y casas de moda exclusivas.

Lo que antes se conseguía a precios súper bajos revolviendo con paciencia prendas que pasaban desapercibidas en los botaderos de las tiendas, ahora se consiguen a costos elevados hasta cifras impensadas. En algunos casos llega a ser más caro comprar algo usado que algo nuevo.

El estilo Vintage se aplica según tres acepciones: es el rescate nostálgico de las prendas de otros tiempos, la reactualización de prendas antiguas intervenidas con materiales nuevos y también el resultado de la inspiración de los diseñadores sobre las tendencias de otras épocas utilizadas para confeccionar sus nuevas colecciones.

Dicen los expertos que para que algo sea considerado Vintage debe tener al menos 10 años de antigüedad. Las marcas se han dado cuenta del negocio, el resto lo ha hecho la nostalgia de los consumidores.

“El niño de antes es el adulto de ahora”, afirma Jon Cortazar, un bilbaíno fundador de Relevo Video Games.

Aingeru Gabiña, Director de Marketing de Converse para España y Portugal, califica al público de su marca como gente “preocupada por su imagen, que busca tener un punto diferente sobre los demás y que quiere revivir la estética y los movimientos de otras épocas que por su edad no llegó a disfrutar”.

La Retro es una tendencia que surge del deseo de quien hoy tiene capacidad adquisitiva de poseer productos que no podía comprarse años atrás. Al respecto Mónica Codina, Directora del Seminario de Comunicación y Moda y Profesora de la Facultad de Comunicación de la Universidad de Navarra, dice que:

“En sentido profundo, es una tendencia que se apoya en la percepción que tiene la persona de encontrarse en continuidad con un pasado histórico valioso (…) Las buenas historias piden ser contadas muchas veces y se pueden recrear con formas nuevas, lo que sucede en el cine con frecuencia. Lo Retro no es una mera reproducción de algo pasado, sino que trata de recuperar un sentido de la belleza, una estética, dentro de un contexto contemporáneo. Lo Retro no se identifica con lo viejo, lo usado, o lo antigüo”.

Al final, las tendencias Retro dejan a todos contentos. Lo que hasta hace poco nos hacía consumir un producto era el factor sorpresa, lo nuevo, lo atrayente y lo singular. Sin embargo cuando la fórmula se agotó, el factor sorpresa se transformó y se enfatizó por los valores de la revisión y la reinterpretación de lo ya existente, de lo que había sido creado y valorado en el pasado.

Pero eso también lo volvimos a agotar. Muchos directores creativos jóvenes, no hicieron ni un ápice por conocer los desplazamientos históricos y culturales de aquellas sociedades en donde habían sido gestadas y paridas aquellas piezas y terminaron por ofrecernos colecciones retóricas, aburridas y de mal gusto. Y como si fuera poco, el mismo diseño con peor material, pues los fabricantes han reducido en muchos casos la calidad de los materiales.

Últimamente los diseñadores, a falta de cosas que nos sorprendan, han comenzado a mirar atrás en el tiempo. Hacen una mirada retrospectiva a épocas y estilos anteriores, para reinventar la moda, tomar lo que nos gusta de modas anteriores, y llevarlo a que luzca  de una manera personal y propia.

El Vintage y lo Retro se han convertido en una solución, a nosotros nos toca juzgar si es valiosa en nuestra actualidad o entorno.

De igual forma, nos toca considerar si en su versión actual, esa propuesta hace justicia a los valores que hicieron que esa tendencia naciera y, en su caso, descubrir las características que hoy hacen que se repita.

*Antropóloga y escritora

lmexicana@gmail.com

Es el caso de la producción realizada en la casa de modas de Elsa Schiaparelli, que logra trasladar el arte surrealista a la ropa y dominar, junto con Chanel, el campo de la alta costura de su época, como nos recuerda Cecil Beaton en su interesante libro El espejo de la moda.

Elsa Schiaparelli habría de reconocer estar en deuda con el diseñador Paul Poiret, pues la primera colección que vio en París fue la de él, en 1922. Esta exposición de moda impactó fundamentalmente sus ideas y sin duda contribuyó al éxito de su carrera.

Poiret fue el primer diseñador de moda en colaborar con los artistas de vanguardia de aquella época. Sus iniciativas sirvieron de modelo para las dos grandes modistas antes mencionadas: Schiaparelli y Chanel.

De manera frecuente se asume que la aplicación del surrealismo a la moda fue dominio únicamente de Elsa Schiaparelli, sin embargo Coco Chanel también jugó un papel muy activo en los círculos parisinos que conectaban el arte y la moda, incluyendo el surrealismo. Era amiga de la artista Tamara de Lempicka, de Misia Sert, distinguida integrante de la alta sociedad parisina. También lo fue de Diaghilev, de Igor Stravinsky, de Jean Cocteau, de Christian Bérard, de Eduardo García, de Marcel Vertès y de Salvador Dalí, entre otros.

Era inevitable que Chanel también se aventurara al surrealismo. Durante los últimos años de la década del 1930, la gran Coco, dio lugar a una fascinante interacción entre el arte y la moda.

En una reseña del conocido libro de Cruz Bermeo, -Del Surrealismo a la Moda en el Museo-, se señalaba que: “Schiaparelli estaba creando moda inspirada por, -y en colaboración con-, artistas de vanguardia de la época, como Dalí o Cocteau, entre otros muchos [...] mientras que Coco Chanel, su más grande rival, estaba diseñando trajes a la moda para la nueva mujer emancipada y se mantenía fiel a la filosofía de la Bauhaus, donde la forma sigue a la función”.

Chanel, inspiró a las nuevas generaciones de diseñadores, desde Geofrrey Beene a Zandra Rhodes, hasta Yves Saint Laurent, y sigue influenciando a los enfants terribles de hoy, entre ellos a John Galliano y Jean Paul Gaultier.

El término surrealismo fue acuñado en 1917 por el francés, escritor, poeta y crítico de arte Guillaume Apollinaire. Al cobrar impulso como fuerza cultural, diversificó sus actividades hacia el cine, la fotografía y la moda. La exposición Fashion and Surrealism, realizada en el Fashion Institute of Technology , en Nueva York y en el museo Victoria & Albert, en Londres, de 1987 a 1988, revisó y dio cuenta de la sustantiva participación de la moda en el surrealismo.

Si la moda, tiene en su naturaleza ciertos elementos del surrealismo como son la sorpresa, la ilusión y la ironía ¿por qué los surrealistas no habrían de apropiársela como forma de expresión?

Posteriormente el Arte Pop, que surge en la década de los cincuenta y se propaga en el decenio siguiente, empleaba la imaginería de la cultura de masas y el consumismo, cosas como las tiras cómicas, los anuncios y los empaques. La moda lo adoptó rápidamente y tuvo un rol importante en su difusión. El Arte Pop, posibilitó el regreso del arte figurativo, la publicidad y las revistas.

Y aunque muchos piensen que la moda es demasiado comercial para ser tratada como arte, -y por supuesto es una industria enorme-, siempre ha existido cruce entre esos dos mundos, donde muchos artistas decidieron incorporar la moda en su obra.

Apareció entonces, otro nuevo autor productor de plusvalía en la sociedad del capital. El nuevo artista incorporado obtenía visibilidad inmediata, ingresos rápidos y promoción gratuita a la vez que caía en las garras del consumo feroz y la caducidad repentina.

Bienales Fashion, certámenes de arte que llevaban el nombre del diseñador de moda organizador, eventos expositivos, publicidad subliminal integrada en las formas artísticas, obras de arte con forma de botella de vodka, grandes logos, monumento culturales. En definitiva, un cúmulo de estrategias comerciales, todas ellas diseñadas para obtener identidad corporativa.

Actualmente todas esas modas esporádicas instauradas gracias a la interrelación entre arte y marca o arte y moda se encuentran en un proceso automático de normalización y falso interés.

A finales del siglo XX, la moda se define como un fenómeno híbrido dentro del sistema de producción de la eterna ostentación del poder a través de las apariencias y mudables representaciones artísticas. Surgió coincidiendo con el nacimiento de la vida moderna que, se oponía a la estática tradición medieval.

La cultura moderna, hija de la nueva movilidad de la época, inducía a la competición de clase a través de la rivalidad por el aparentar. Las clases que buscan respetabilidad social, -a decir de Gilles Lipovitesky-, imitan las maneras de ser y de aparecer de los de arriba. Mientras Berman declaraba: “para que la gente, cualquiera que sea su clase, pueda sobrevivir en la sociedad moderna, su poder deberá adoptar la forma fluida y abierta de esta sociedad. Los hombres y las mujeres modernos deben aprender a anhelar el cambio”.

En la obra de Nelson Di Magio se descubrió que en la moda existen una gama de significaciones sociales, estéticas, morales y económicas encerradas en su universo frívolo.

El cuerpo y la posición, la manera de caminar, los gestos, la forma de sentarse, se han modificado según las culturas y han sido determinantes los hechos políticos y económicos. Es de recordar que la Revolución Francesa introdujo la moda burguesa opuesta a la moda monárquica, las guerras y los deportes del siglo XX masculinizaron la vestimenta femenina.
Es decir la moda designa un sistema de representación temporaria de la vida social en sus diferentes estamentos.

El interés por la corporalidad ha sido históricamente compartido por artistas y diseñadores desde los años sesenta hasta la actualidad.

Con la moda pasa lo mismo que con una obra pictórica o una escultura; las hay extraordinarias y las hay simplemente terribles.

En conclusión: no existe ninguna diferencia artística real entre un cuadro y atuendo de alta costura, cuando ambos manifiestan verdadera creatividad y reflejan el alma de quienes los hicieron.

*Antropóloga y escritora
lmexicana@gmail.com

El Arte, en todas sus manifestaciones, constituye una fuente inagotable de referencias sobre la evolución de la indumentaria a lo largo de la historia.

Ulrich Lehmann, profesor de la Royal College of Art en Londres, uno de los impulsores del modernismo, considera a la moda como una clave esencial para describir la cultura moderna, afirma que está en el centro del quehacer humano y estudiarla revela claves fundamentales sobre el progreso y los cambios sociales.

Así como Lehmann rechaza que la moda sea un fenómeno superficial, para los diseñadores contemporáneos, el proceso creativo conforma un binomio inalterable: Moda y Arte; una unión de dos fuerzas surgidas de la imaginación; un matrimonio inseparable, dos disciplinas que se han retroalimentado desde siempre y que hoy se fusionan más que nunca para dominar las pasarelas.

La teórica del arte Isabelle Graw al reflexionar sobre la frontera que separa arte y moda, nos dice que poseen una frontera móvil que los une (arte y moda) a la vez que los separa.

Por definición la moda tiene que cambiar perpetuamente y estar de moda es estar en lo nuevo, lo último. En esta aseveración, la moda parece ser algo frívolo y alejado del mundo real, de lo que realmente crea el mundo.

Desde sus inicios el siglo XX se perfiló como el reino de la arquitectura. Es así que Claudio Martínez en sus reflexiones de 1900, apuntaba la relación directa que existía entre la vestimenta de los góticos y las catedrales de esa época.

Y hoy Patricia Doria, nos dice: moda y arquitectura comparten el mismo fin; proteger y dar cobijo al ser humano. “La tela y el edificio reproducen la estructura del cuerpo humano, aunque en dimensiones diferentes. Los edificios son estructuras fluidas y la indumentaria, un material arquitectónico”.

Arte y moda tienen, según ella, denominadores comunes: la necesidad de expresar la creatividad de un artista y la búsqueda estética.

En los años 20 el ruso Erté (Romain de Tirtoff), uno de los precursores de la moda, pasó de ser un artista a diseñar las prendas Art Déco que usarían desde la Pavlova hasta Josephine Baker.

Pero no recurrimos al Arte sólo por la ingente cantidad de información del pasado que nos aporta, sino porque se ha convertido en, —y siempre será—, la mayor fuente de inspiración para los diseñadores.

Baudelaire consideraba que la moda, aparte de sus ideales estéticos, era un fenómeno social con el potencial de cambiar percepciones establecidas sobre la realidad histórica.

La relación entre el arte y la moda es tan próxima, que John Galliano, el controvertido dieñador de Chanel, recientemente fue condenado por plagiar la obra del artista William Klein en su publicidad.

Nos dice Rocío Medina, que el diseñador de vestuario e historiador de moda, Fernando Bermúdez, asegura que la moda va mucho más allá de lo que se ve en revistas o en salones de bellezas, se trata de una expresión que describe un tiempo y espacio determinados.

Y es que la moda no sólo se manifiesta en la ropa sino también en los complementos, en los zapatos o en los peinados. No es un fenómeno que influye solamente en las personas, sino también en la arquitectura, en el diseño automovilístico o en las creaciones artísticas.

La globalización se ve también en el ámbito de la moda. Uno puede comprarse la misma camiseta en una tienda de París, de Berlín, de Barcelona o de Budapest.

La centralidad en el diseño, es uno de los fenómenos urbanos que ha imbuido a las ciudades del mundo y sobre todo a las ciudades latinoamericanas.

En síntesis, hay una línea muy difusa entre la moda como producción de mercancía y la moda como ejercicio artístico; el arte, lentamente, sigue los pasos de la moda, en ellos, va generando la misma demanda para nuevos productos.

Si hoy echamos una mirada al arte contemporáneo veremos que todo su marketing, —cómo se presenta y se vende—, es muy parecido a cómo funciona el mercado de la moda.

Hasta pronto…

*Antropóloga y escritora

lmexicana@gmail.com

La moda comenzó su romance con el arte en los años veinte del siglo pasado, en el momento en que diversos movimientos artísticos se alejaban de los lienzos y de la palabra escrita, para abarcar los objetos.

El surrealismo fue una de las primeras corrientes que se instituyó en la moda, pues lo que cubría al cuerpo resultaba esencial para esta tendencia de vanguardia.

Conocida como la enemiga de Coco Chanel, Elsa Schiaparelli fue una mujer que se alejó del convencionalismo, puesto que quería vestir a las mujeres con prendas actuales e innovadoras. Fue una mujer capaz de unir moda y arte y consolidarla en la producción que realiza su casa de modas. Aun después de su muerte, en 1973, Elsa extiende su fuerte injerencia hacia el diseño contemporáneo.

Si nos remontamos a comienzos del siglo XX, encontramos que la industria del vestido ha contado con la colaboración de diversos genios diseñadores y artistas plásticos. Destacados ejemplos de lo anterior lo constituyen Salvador Dalí y Giorgio de Chirico.

Las revistas de moda descubrieron que un esfuerzo de la imaginación era capaz de producir infinidad de páginas de brillante inventiva trascendental.

Actualmente se han sustituido las ilustraciones de las portadas por fotografías de amplio valor estético, pero aquellos dibujos de los comienzos de la revista se consideran un gran legado para el arte.

Los fotógrafos han descubierto posibilidades infinitas. Son los casos de Steven Meisel, David Lachapelle, Patrick Demarchelier, Annie Leibowitz y Mario Testino, artistas de la cámara que han sabido convertir las editoriales de las revistas de moda más importantes en crisoles de ingenio fotográfico y correcta estética aplicada.

Pero otros artistas del diseño también han mezclado moda y arte de manera apasionante, gracias a lo que denominamos Haute Couture. Esta división de la moda, justamente se caracteriza por construcciones de tela con sentido artístico y también artesanal.

“La moda no es un arte, pero para dedicarse a ella hay que ser un artista”, afirmaba Yves Saint Laurent, primer modisto cuyos diseños fueron expuestos en el excelso Metropolitan Museum de Nueva York en 1983.

De igual forma en España, años más tarde, se presentaron muestras de este tipo, por ejemplo la muestra de Pertegaz en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en 2004.

¿Por qué la moda en la ropa y la forma de vestir tienen tanta importancia en la sociedad?, porque el arte y la pintura expresan los contenidos de la sociedad y que mejor para ello que las telas que nos cubren puestas al servicio de los artistas para tratar sus temas. A lo largo de la historia, la moda se ha desarrollado y ha ido cambiando igual que lo hacen sociedades y personas. Se adapta a necesidades nuevas y desarrolla la creatividad humana. La moda es un arte, una técnica y una herramienta de poder.

Exactamente igual que seducen las ropas en una persona, así seducen las pinturas.

En la Bienal de Arte Multidisciplinario “Rosario 1990“, realizada en el Patio de la Madera de la ciudad de Rosario, se presentó a la moda en una exposición organizada en tres partes:

La primera trataba los comienzos de la Modernidad. Establecía que durante la Edad Media “la civilización y sobre todo el pensamiento cristiano, destinaba al cuerpo al olvido y al sacrificio”, (Sarduy S. 1987). Exponía que hasta el siglo catorce la indumentaria no sufrió grandes modificaciones y su crecimiento fue lento y gradual.

Después de este período es que aparece la idea de moda como cambio, tal como lo entendemos ahora. El concepto de belleza ideal se reproduce: pechos pequeños, abdomen ligeramente abultado y torsos largos. Uno de los ejemplos de lo anterior es la figura desnuda de mujer con su larga cabellera al viento, en el “Nacimiento de Venus” de Boticelli.

En la segunda parte elaboraba sobre la Revolución Industrial y el impacto de la máquina en la moda, que suplanta lo artesanal, modifica la mano de obra y los modos de producción. Aparece la fabricación en serie y la consiguiente estandarización.

Ultima parte se decó al ocaso del Modernismo y los comienzos de la cultura pos-moderna. El cuerpo y la gestualidad, el Body Art, los cuerpos pintados que se embadurnan y dejan su registro sobre la tela…

Testificó como de los cincuenta en adelante se produjeron profundos cambios en la vestimenta y en las costumbres, que estimularon la “aceleración de la moda”: el uso masivo del jean, -signo de la igualdad social y lo unisex-, la minifalda y, desde lo musical, los Beatles, los hippies y lo psicodélico y su gran influencia e impulso en el desarrollo de una moda joven.

Como en el “arte de los noventa”, hay una búsqueda en lo artesanal y una orientación hacia el objeto, dando vía libre a lo efímero, la hibridez, la interdisciplinariedad, y las intervenciones urbanas en espacios públicos.

Hay cambios en la producción cultural: en las obras de artes visuales se incorporan las experiencias mediáticas, la televisión, el cine, la fotografía, la computación, lo que Jamenson, denomina “híbridos de alta tecnología”.

La moda es el reflejo del poder humano para crear una estética capaz de evocar reflexiones y emociones frente a quien se exponga e ella, como si lo hiciéramos frente a una pintura, y esta presente en nuestras vidas desde que nacemos, quien no sabe de Picasso o del estilo barroco, y también de Chanel.

En fin, tal vez se podría decir que  la  moda es el mejor arte porque vivimos con ella y dentro de ella, pero bueno, aceptemos que ambas expresiones son fundamentales, así que vivamos en la moda para hacer de nuestra existencia, una obra de arte.

*Antropóloga y escritora

lmexicana@gmail.com

La belleza de ébano, de 25 años y 1,79 de altura, se alzó finalmente con el cetro de reina universal y arrancó el aplauso del público brasileño, que en todo momento mostró un firme apoyo a la angoleña.

Estudiante de administración de empresas, Lopes, vestida con un traje palabra de honor de color champán, no pudo contener el llanto cuando fue proclamada sucesora de la mexicana Ximena Navarrete, Miss Universo 2010.

Leila Luliana da Costa Vieira Lopes calificó de “sueño” haber conquistado el título, en sus primeras declaraciones tras conocer el fallo del jurado.

“Mi vida acaba de cambiar, con seguridad va a ser una larga caminata”, dijo Lopes, emocionada.

La aspirante de Ucrania, Olesia Stefanko, y la representante de Brasil, Priscila Machado, se clasificaron en segundo y tercer lugar respectivamente como virreina y primera princesa.

Antes de ser proclamada bella entre las bellas, la nueva Miss Universo tuvo que enfrentarse, junto a otras cuatro finalistas, a una pregunta del jurado, que pidió que señalara qué parte de su cuerpo cambiaría si tuviera la ocasión.

Lopes aseguró con frescura que se sentía “muy satisfecha” con su apariencia y apostilló que se veía a sí misma como una “chica muy bonita por dentro”.

Además de la angoleña y las candidatas de Brasil y Ucrania, las representantes de China, Luo Zilin, y de Filipinas, Shamcey Supsup, se clasificaron entre las cinco finalistas.

La aspirante española Paula Guilló, quien había manifestado sus buenas vibraciones en los días previos al certamen, quedó fuera de la disputa en la primera criba, en la que el jurado escogió a las 16 semifinalistas y en la que se encontraban seis latinoamericanas.

La gala arrancó con rigurosa puntualidad a las 22.00 hora local (01.00 GMT del martes) con la aparición de las 89 candidatas, quienes por orden alfabético se presentaron una a una por nombre, país de procedencia y edad entre los calurosos aplausos de un público entregado que abarrotaba el auditorio Credicard Hall, sede de la gala.

Las candidatas, que desfilaron en traje de baño y vestido de noche, apostaron por los blancos, beiges, amarillos y rojos y despreciaron el negro, uno de los colores más escogidos tras la caída del sol.

La ceremonia, celebrada por primera vez en Brasil, contó con abundantes guiños al país anfitrión, como las actuaciones de las artistas brasileñas Claudia Leitte y una sensual Bebel Gilberto, que se encaramó a un piano al son de sus registros vocales.

El evento también dejó espacio a la samba y al berimbau, instrumento que justamente es originario de Angola y que se usa en las presentaciones de capoeira.

Pese a no competir por la corona, las aspirantes descalificadas por el jurado no pudieron retirarse del escenario y, con amplias sonrisas y buena dosis de estoicismo, continuaron participando del espectáculo.

Cada vez que los presentadores del evento anunciaban que Miss Brasil pasaba a la siguiente fase, la platea se fundía en un sonoro aplauso para animar a su candidata, y cuando se situó en tercera posición el apoyo popular se transfirió rápidamente a la angoleña.

La ceremonia de hoy pone el broche final a cerca de tres semanas en que las candidatas de 89 países desarrollaron una intensa agenda en Sao Paulo que las llevó a visitar proyectos sociales, a recibir clases de samba, asistir al circuito de automovilismo de Interlagos y a jugar al fútbol y al golf.

Además, las aspirantes fueron recibidas por las autoridades municipales y regionales de Sao Paulo y tuvieron la ocasión de conocer las bellas playas del litoral paulista.

La obesidad y el sobrepeso son el origen de enfermedades crónico-degenerativas, como diabetes mellitus, hipertensión arterial, síndrome metabólico y cáncer, entre otras. En este punto, es necesario encontrar alternativas efectivas de prevención de la obesidad, y tratamiento al colesterol y triglicéridos elevados.

Hoy el agave podría ser base de un sinnúmero de alimentos sanos, donde el fructano se convierta en sustituto de grasas, carbohidratos y almidones; y el consumirlo sirva para atacar problemas como los altos niveles de lípidos y colesterol.

Científicos del Centro de Investigación y de Estudios Avanzados (Cinvestav) descubrieron que los fructanos de agave, carbohidratos que se utilizan para hacer el tequila, también son benéficos para la salud, ya que actúan contra varias enfermedades que van desde controlar la diabetes, prevenir el cáncer de colon, hasta combatir la osteoporosis y la obesidad.

¿Qué son los fructanos?

La glucosa y la fructosa son azúcares simples. Sus polímeros, es decir, moléculas formadas por el encadenamiento de varias moléculas simples, se llaman almidón y fructano, respectivamente. Hay fructanos en 15% de las plantas, y entre ellas están algunas especies de agave que crecen en el país.

El agave produce un fructano, que es similar a la inulina contenida en la achicoria, un tubérculo. La inulina es una sustancia estudiada desde hace más de 15 años, y están comprobadas sus propiedades: fortalece el sistema inmunológico, ayuda al decremento del colesterol y triglicéridos y promueve la absorción de calcio en el intestino, lo que la convierte en benéfica para personas obesas, con hiperlipidemias y para aquellas mujeres en la premenopausia o el climaterio, a quienes puede proteger de la osteoporosis.

Otra de sus ventajas es que favorece la proliferación de flora intestinal benéfica.

También mejoran el sistema inmunológico, y tienen propiedades anticancerígenas. Del agave se obtiene también un endulzante que se conoce como “miel de agave” (agave sweet). El cual se usa como sustituto de azúcar y puede ser utilizado por personas de cualquier edad, ya sean niños o adultos y sobretodo para personas diabéticas, además de que endulza 1.5 veces más que el azúcar, esto hace que los productos que se endulzan con miel de agave tengan menos calorías que los endulzados con azúcar.

Propiedades Benéficas de la Miel de Agave

Es estimulante del crecimiento de la flora intestinal (prebiótico), inhibe el crecimiento de bacterias patógenas (E.Coli, Listeria, Shigella, Salmonella). Consumirla tiene un impacto benéfico en el cáncer de colon, principalmente porque durante su fermentación genera ácido butírico en el intestino grueso, el cual mantiene los colonocitos (células del colon) protegidos de la adhesión de bacterias patógenas, disminuyendo o evitando el desarrollo de este tipo de cáncer.

Es tolerada por las personas diabéticas e ideal para los hipoglucémicos. Beneficia a ambos porque tiende a regular los niveles de insulina. Disminuye los niveles de colesterol y triglicéridos. Tiene un poder edulcorante doble que el azúcar comercial.

Es libre de calorías y es utilizada como fuente de energía por el organismo, es un alimento seguro para los diabéticos y para dietas de control de peso, ya que es una molécula más sencilla que la glucosa y puede ser absorbida fácilmente por las células sin necesidad de la insulina, ya que facilita la absorción de carbohidratos necesarios para el cuerpo, lo cual es difícil encontrar en edulcorantes artificiales ya que no satisfacen las necesidades del cuerpo (carbohidratos) y esto engaña y no nutre a las células. Consumirla ayuda a aumentar los niveles reguladores del apetito, generando una sensación de saciedad, y por lo tanto, al consumir menos alimento, se puede perder peso o controlar el mismo.

www.agavesweet.com.mx

En aquellos países donde la modernidad capitalista desplegó importantes núcleos industrializados, el diseño forma parte central de su proceso de generación tecnológica como factor dinamizador de su crecimiento y desarrollo.

Es un símbolo más de su poder económico y político envuelto de un disfraz de veleidad cultural para las élites de sus centros urbanos, que coexiste en su con cinturones de pobreza, formados por millones de ciudadanos que han sido excluidos del mercado. Una muestra más de la polarización creciente entre minorías privilegiadas que disfrutan de un alto nivel de consumo y mayorías marginadas que sobreviven, como pueden, bajo la así llamada línea de la pobreza.

En fin, llamaremos diseño a cualquier actividad, incluso de carácter artesanal que conduzca a la producción de objetos destinados a satisfacer las supuestas demandas de imagen. La Asociación de Diseñadores Gráficos de Buenos Aires lo define como aquella disciplina que posibilita la creación de “formas útiles a los hombres”.

Por definición su análisis involucra la cuestión de las “estéticas”, a nivel social, y la cuestión del “gusto”, a nivel individual, categorías propias de la cultura cada vez más globalizada, que son moldeadas por los medios masivos de comunicación quienes estimulan la avidez de novedades y llegan a imponer modelos la banalización y superficialidad.

Se segmenta al mercado en dos grandes sectores, el de gusto “refinado” o fashion, limitado a sectores “exclusivos”, es decir excluyentes, de las clases altas o medio-altas –target de diseño- y el gusto “popular” sobre el mismo tema, propio de las clases bajas, que quedará limitado a la imitación servil y degradada de aquellas “estéticas”, al uso de prendas de “marca” truchas y, en fin, al kitsch.

Según Gustavo Valdez de León, diseñador gráfico: el diseño moderno desde su origen ha sido construido en Latinoamérica a partir de la imitación, a veces oportunista, otras por mera casualidad, de los estilos europeos contemporáneos.

Este espíritu de imitación de los estilos de pensamiento foráneos, presente desde la Colonia, sigue siendo hasta hoy, –con importantes intervalos en los países y momentos donde toman forma movimientos estéticos nacionalistas-, un rasgo de la cultura latinoamericana y por lo tanto, del diseño y de la reflexión sobre su práctica.

De ahí que Latinoamérica es, en gran parte, el reflejo criollo o mestizo de la imagen que de Occidente tiene.

Organizaciones y empresas de todas clases utilizan el diseño con la intención de comunicar sus mensajes de una forma clara y vinculada a una experiencia emocional y para ello entrelazan diferentes manifestaciones y disciplinas del diseño, por ejemplo: gráfico y fashion. La calidad de esa experiencia depende de la pericia que el diseñador haya mostrado a la hora de transformar el mensaje en un conjunto organizado, fácil de recordar e impactante visualmente.

El buen diseño es mucho más que la suma de sus elementos, exige comprender los fundamentos de la forma y la composición, los mensajes del color, la relación entre los distintos tipos de signos visuales, el ritmo de la jerarquía informativa y la forma en la que sus elementos e imagen trabajan para producir un mensaje unificado y coherente.

El poder del diseño gráfico en la moda, es el aquel que altera nuestro sentido de la misma, e influencia nuestras preferencias de compra a través de medios como promocionales, anuncios impresos, pósters, folletos y hasta en las etiquetas de la ropa con los precios, displays y decoración en las tiendas.

Christian Dior firmó en la historia de la moda con letras de oro. Patentó el “new look” con colecciones que transformaron el París de los cincuenta, a las que denominó línea A, línea Y, T o V. Encontró en la estructura tipográfica similitudes con la indumentaria femenina, y esta metáfora clara y limpia fue la garantía de su aceptación por parte de un gran público incondicional en Europa y en Estados Unidos.

Su heredero al frente de la Maison Dior, el joven Yves Saint Laurent, lo hizo brillantemente pero pronto inició su propio camino. La marca YSL es uno de los pocos diseños corporativos del gran cartelista Cassandre. Estas tres letras cursivas y entrelazadas han prefigurado la imagen del glamour, la marca que recordamos en tinta dorada o sobriamente bordada con hilo blanco sobre negro. Letras siempre grandiosas y edulcoradas.

Tipógrafos considerados arquitectos de la escritura y diseñadores tildados arquitectos de la moda, nos permiten aproximar a Balenciaga con Aicher, coetáneos, hasta encontrar rasgos equiparables, ya sea en la edificación de tipos legibles o en la construcción de volúmenes que han de revestir la figura flexible de un cuerpo idealizado.

Años atrás se criticaba el “marquismo”, señalado como uno de los males alarmantes del consumismo, y aún perturbaba más el hecho de que se repite en las marcas de ropa y zapatillas. Ser un seguidor de marcas hoy no parece un mal inconfesable, sino un síntoma acorde con los tiempos.

La condescendencia con las marcas de lujo y con las fashion victims ha derivado en connivencia mercantilista.

*Antropóloga y escritora

lmexicana@gmail.com

Mediante un comunicado enviado a los medios por parte de su publicista, Jennifer Nieman, afirmó que “no hará ninguna declaración al respecto”.

Además, se precisó que la puertorriqueña se encuentra de vacaciones en Dublín, junto a Christian y Ryan, los pequeños que tuvo con el cantante de “Valió la pena”.

Como se recuerda, ambos contrajeron matrimonio en 2000, para luego separarse en 2004 y cuatro días después, Marc Anthony contrajo nupcias con JLo, en Los Angeles.